"Aterragem!" Eu me diverti tanto vendo e revisando o conto do assassino de terror Smashmouth com tema de futebol em O Estranho E o Futuro Smash e Zona Final 2 Estendi a mão para os cineastas por trás do gorehound gridiron. Conversar com Sophia Cacciola e Michael J. Epstein deu mais informações sobre um recurso duplo de alto conceito e muito mais.

Quais são suas origens como cineastas?

Nós dois crescemos amando filmes e fazendo filmes com nossos amigos em filmadoras VHS, mas depois mudamos nosso foco para a música. Trabalhamos com outros diretores para fazer videoclipes para nossas bandas, o que acabou fazendo muito sucesso! A banda de Michael, The Motion Sick, teve o videoclipe de sua música “30 Lives” nas redes menores da MTV, e acabou em vários jogos Dance Dance Revolution. A banda de Sophia, o vídeo de Do Not Forsake Me Oh My Darling para “Episódio 1 – Chegada”, foi apresentado na TIME como o melhor vídeo do ano. 

Percebemos que queríamos fazer mais vídeos, então compramos algumas câmeras digitais baratas e nos lançamos. Uma coisa levou à outra e, em cerca de um ano, estávamos fazendo nosso primeiro longa-metragem. 

Qual foi a inspiração para The Once And Future Smash e End Zone 2? Qual veio primeiro?

Somos fascinados pela explosão da cultura fandom de terror. Não gostamos particularmente de ir a convenções ou coletar assinaturas, mas achamos que há uma comunidade maravilhosa e incrível em torno de tudo isso. Há também todo tipo de política interessante sobre as relações entre os atores. Ouvimos histórias sobre disputas sobre quem realmente interpretou papéis mascarados que são difíceis de confirmar em certos filmes e pensamos que poderia ser um ponto de entrada interessante para contar histórias no mundo das convenções.

Michael estava conversando com nosso amigo Neal Jones, que faz o Podcast Without Your Head há muito tempo e entrevistou quase todo mundo horrorizado. Neal mencionou que um de seus ex-convidados reclamou quando ele anunciou um próximo convidado porque eles tiveram um desentendimento público sobre quem merece crédito pelo papel mascarado que ambos desempenharam. Michael mencionou a Neal que tinha um conceito de roteiro para uma história como essa, mas que não tinha planos de escrevê-lo porque envolveria obter acesso a uma convenção e outros elementos de produção caros.

Neal conversou com seus amigos na convenção Mad Monster Party, que rapidamente concordou em permitir que Neal filmasse lá. Neal e Michael pensaram em quem gostariam de escalar para o filme, e as duas primeiras pessoas que vieram à mente foram Bill Weeden e Michael St. Michaels. Sem um roteiro, perguntamos a ambos se estariam interessados ​​no conceito e em filmar Mad Monster. Isso foi no final de julho de 2019. Sabíamos que precisaríamos filmar no Mad Monster em fevereiro de 2020, então Michael começou a escrever o roteiro o mais rápido possível, enquanto Neal começou a pensar em qual de seus ex-convidados gostaria de fazer parte disso. . 

Também sabíamos que teríamos que filmar End Zone 2 antes da convenção para que tivéssemos fotos e outros materiais para design de produção, então planejamos isso para produção em dezembro de 2019. Escrevemos um esboço para End Zone 2 e depois trouxemos nosso amigo Brian W. Smith para escrever um rascunho inicial do roteiro real. Conseguimos isso no início de outubro e filmamos End Zone 2 em uma semana em dezembro de 2019. 

Como você criou Smash-Mouth e seu design/background como um personagem slasher? Incluindo sua frase de efeito “Touchdown!”?

Sabíamos que queríamos fazer o filme, mas não tínhamos ideia do que seria o filme dentro do filme. Queríamos um personagem icônico que pudesse ter sido hipoteticamente influente em todos os principais ícones do slasher. Sabíamos que queríamos algo realmente exagerado em termos de aparência e personalidade. 

Fizemos um brainstorming de nomes com palavras como “cortar” e “matar”, e Sophia disse, “Smash-Mouth” brincando. A gente riu e depois achou o nome engraçado, e também dá uma característica visual de cara quebrada. Então, pesquisamos a origem do termo e descobrimos que se referia a um jogo de futebol violento e de confronto - futebol de boca aberta! Tudo meio que virou uma bola de neve a partir daí - mandíbula quebrada, jogador de futebol, "touchdown!"

Sinceramente não gostamos de futebol ou não sabemos muito sobre futebol, mas fizemos muitas pesquisas sobre a história dos equipamentos e uniformes do futebol. Nós nos apaixonamos pelo visual cabeçudo e meio que elaboramos a história em torno disso. Queríamos que End Zone 2 fosse um filme “contemporâneo” de 1970, mas pensamos que End Zone 1 poderia ter sido ambientado em um período em que capacetes de couro eram usados. Aprendemos que eles foram abandonados profissionalmente por volta de 1950, mas pensamos que talvez uma pequena escola os usaria além disso e decidimos que poderíamos definir a End Zone 1 em 1955 e fazer isso 15 anos antes da End Zone 2 cronologicamente. Montamos um uniforme vintage (bastante caro) e um capacete do eBay e Etsy!

Isso também nos permitiu evitar escalar pessoas em idade escolar para o filme e focar no tipo de trauma de sobrevivência que muitas “garotas finais” de terror têm nas sequências. Também deu a Smash-Mouth uma espécie de qualidade etérea e fora de seu tempo. O passado continua a assombrar todos eles. 

Para a máscara, tivemos muita sorte de poder trazer o artista FX Joe Castro. Trabalhamos com ele para realmente pensar em como seria uma máscara icônica se fosse feita no final dos anos 60. Precisava se sentir vivo, mas também não ter mobilidade. Joe criou vários conceitos e experimentou uma variedade de materiais antes de escolher a máscara perfeita, que realmente deu vida ao personagem. 

Alguma coisa foi inspirada por suas próprias experiências em convenções de terror?

Michael definitivamente tentou capturar o máximo possível de experiências estranhas e engraçadas da convenção no roteiro. Queríamos que tudo parecesse satiricamente familiar para os participantes da convenção. Também aproveitamos as oportunidades que surgiram na convenção. Por exemplo, o concurso de fantasias não estava no roteiro porque não sabíamos. Descobrimos que nosso amigo, James Balsamo, estava hospedando e perguntamos a ele se poderíamos entrar com AJ vestido de Smash-Mouth e apenas fazer com que ele perdesse feio. Isso foi realmente tudo o que demos a James.

Como você pode ver no filme, James REALMENTE foi para a cidade no pobre AJ. O problema é que a multidão gigante não tinha ideia de que era para um filme, e eles realmente pensaram que James o estava intimidando. Muitas pessoas foram até James depois para gritar com ele e depois para AJ para confortá-lo. Tivemos que explicar que não era real. 

Como foi o processo de casting?

Para The Once and Future Smash, escalamos Michael e Bill imediatamente, então o roteiro foi realmente escrito com eles em mente. Já havíamos feito planos com nosso amigo, AJ Cutler, que tem uma perna protética, para um dia colocá-lo em um filme de terror e cortar sua perna. Michael teve a terrível ideia de fazer AJ fazer um papel em End Zone 2, onde ele tem a perna cortada, e depois interpretar o filho do ator que também perdeu a perna de uma forma suspeita que talvez esteja relacionada ao papel icônico de seu pai. . 

Sabíamos que AJ era talentoso e engraçado, mas ele não tinha muita experiência como ator. Conversamos com ele e decidimos arriscar e meio que confiar nele para os dois filmes, o que foi especialmente arriscado porque ele é o representante do público e o coração de The Once and Future Smash. Achamos que talvez teríamos que gastar muito tempo e energia direcionando-o para obter as performances que queríamos, mas ele era absolutamente natural em ambos os papéis e preparou e trouxe tudo o que queríamos, então realmente não precisávamos dirigir seu desempenho muito em tudo. Bill e Michael definitivamente se sentiram um pouco como se AJ tivesse roubado algumas cenas!

Para End Zone 2, sabíamos que íamos filmar em muito pouco tempo – acabou sendo seis dias mais um dia de coleta. Também sabíamos que queríamos que houvesse muitas tomadas muito longas para combinar com o estilo da época. No mundo de baixo orçamento da década de 1970, eles não podiam pagar o estoque de filmes para fazer todos os tipos de cobertura. Planejamos a filmagem em torno do aluguel de uma casa em Lake Arrowhead com todos morando no set. Então, tudo isso significava que precisávamos de atores talentosos que entendessem o projeto e concordassem com uma atmosfera discreta e familiar no set, onde todos colaboram onde podem com coisas como cozinhar e limpar. Todos os envolvidos com o filme (incluindo nós) também são creditados sob um pseudônimo, então era necessário uma adesão total ao projeto para querer fazer parte dele.  

Nós realmente escolhemos amigos e amigos de amigos, em vez de usar qualquer tipo de processo de audição. Os membros do elenco eram todos maravilhosos e conheciam suas falas por dentro e por fora, então pudemos rodar essas cenas de mais de 6 minutos sem cortes. 

Como foi filmar em um ambiente de convenção?

Muito desafiante! Era barulhento e caótico, e nós realmente não conseguíamos controlar nada. Tínhamos permissão para filmar, mas é claro que era uma convenção real e ativa, e tentamos minimizar o quão perturbadores éramos para todos ao nosso redor e na convenção. O pessoal da Mad Monster Party e do hotel foram heróis absolutos para nós! Eles realmente tentaram nos dar tudo o que precisávamos e apoiar o empreendimento.

Também não podíamos nos dar ao luxo de levar pessoas para a Carolina do Norte para pequenos papéis, então escalamos a maioria dos papéis menores na convenção. Isso foi interessante porque às vezes eram pessoas que conhecíamos ou pessoas envolvidas com a execução do show, e outras vezes, especialmente com as crianças, era apenas caminhar até as pessoas e dizer: “Ei, você quer estar em um filme?" 

Ao escrever o roteiro, Michael também tentou minimizar a parte que acontecia no chão e na convenção em geral. Sabíamos que teríamos acesso a Bill e Michael por um tempo limitado, então qualquer coisa que nos levasse a outros personagens que pudéssemos filmar em outro lugar significava mais tempo para acertar as coisas com as cenas que precisávamos na convenção. 

Nós rolamos com os socos praticamente. As cenas que não funcionaram foram cortadas na edição e os palhaços desempenharam um papel muito maior do que o previsto!

Quando cada projeto foi filmado e em que ordem? O que foi feito para criar o estilo/vibração retrô de End Zone 2?

End Zone 2 foi filmado em dezembro de 2019, e a parte da convenção de The Once and Future Smash foi filmada em fevereiro de 2020. Após a convenção, houve muitos atrasos e repensamentos devido ao COVID. Terminamos The Once and Future Smash no verão de 2022.

Para fazer End Zone 2 parecer o mais autêntico possível, além da criação cuidadosa de Smash-Mouth, Sophia passou muito tempo comprando roupas vintage e determinando guarda-roupa, estilo e design de produção. Procuramos o local certo para combinar com a época e o estilo também.

Pedimos ao elenco que estudasse um estilo muito específico de atuação do início dos anos 70 porque realmente queríamos ter atuações honestas e sérias, mesmo que as circunstâncias do filme parecessem bobas. Não queríamos fazer uma abordagem irônica para nenhum dos End Zone 2. Enviamos referências de atuação de terror como The Texas Chain Saw Massacre e Black Christmas, mas também pedimos ao elenco para dar uma olhada no início dos anos 70 performances naturais em filmes de Altman e Cassavetes. Referenciamos 3 mulheres, uma mulher sob influência, o longo adeus e Klute como exemplos do que estávamos procurando. 

Para os elementos técnicos, fizemos muitas pesquisas sobre que tipo de câmera e estoque de filme provavelmente seriam usados ​​para um filme regional de baixo orçamento dessa natureza. Pensamos em comprar a câmera específica e o estoque mais próximo para filmar o filme, mas depois de definir o preço, percebemos que precisaríamos filmar digitalmente. Sophia foi a diretora de fotografia de End Zone 2. Ela escolheu o BlackMagic Pocket 4K porque ele tem uma faixa dinâmica ampla o suficiente para capturar uma aparência cinematográfica e um pequeno sensor que está mais próximo de um quadro de 16 mm do que qualquer câmera de cinema digital. Compramos muitas lentes vintage de 16 mm e fizemos algumas fotos de teste, mas no final optamos por comprar uma DZO Parfocal Zoom. A lente não estava disponível para compra até menos de uma semana antes da filmagem. Felizmente, estávamos em Nova York e pudemos pegar as lentes do showroom. 

Durante as filmagens, Sophia foi intencionalmente limitada ao zoom manual para capturar as imperfeições do trabalho de câmera de baixo orçamento da época. Não queríamos que nada fosse intencionalmente mal filmado, mas queríamos criar os mesmos tipos de obstáculos e limitações que os cineastas teriam na época. Para criar uma aparência mais fílmica, Sophia também usou fortes filtros Black Promist para aprimorar o brilho e o brilho das luzes e destaques na imagem.

Para a postagem, compramos uma grande variedade de pacotes de digitalização de grãos de filme e, por fim, decidimos misturar nossos próprios grãos usando várias camadas de digitalizações de grãos. Não havia loop e nenhuma solução de plug-in simples que funcionasse para nós. Durante a edição, Michael quebrou a estrutura do filme e decidiu onde os rolos terminavam e onde os elementos poderiam ter sido danificados. Ele colocou grãos diferentes em bobinas diferentes e acrescentou danos às extremidades das bobinas e outras áreas com maior probabilidade de serem arranhadas. Michael construiu marcas de sinalização e as colocou com o tempo e o espaçamento do quadro usados ​​na época. Para o áudio, Michael também gravou a mixagem de som final em fita cassete e a digitalizou de volta, e a misturou com a fonte para controlar a quantidade de ruído, uau e vibração. 

Michael também ocasionalmente fazia edições intencionalmente imperfeitas e colocava Foley que combinaria com a época. Houve também algumas pistas de Foley que foram intencionalmente silenciadas no filme final, como se estivessem faltando. Achamos que esse tipo de imperfeição ajudou a adequar o filme à época e ao orçamento.

Como você montou a parte do cineasta/ator/talking heads das entrevistas do falso documentário?

Quando Michael escreveu o roteiro, ele atribuiu falas com tipos específicos de pessoas em mente, mas com o conhecimento de que alguns podem não aceitar fazer o filme. Então, tínhamos “personagens” como “tipo Melanie Kinnaman” ou “tipo Mark Patton” no roteiro original. Nosso outro produtor, Neal Jones, foi muito importante para o elenco dessa parte. Nós três fizemos um brainstorming de uma lista de pessoas que achamos que poderiam ser uma boa opção. Nós nos concentramos no grupo de convidados que Neal tinha em seu podcast e em pessoas que ele conhecia por apresentar painéis em convenções e outros tipos de coisas semelhantes. Neal começou a se aproximar das pessoas. Ele explicou o conceito para eles e o que estaríamos pedindo para eles fazerem. Alguns estavam nervosos sobre como eles poderiam sair em um falso documentário, mas muitos pularam a bordo! Neal era muito querido por essas pessoas, e eles confiavam que ele não estava tentando retratar ninguém sob uma luz ruim ou algo assim. 

Depois que os indivíduos foram contratados, examinamos o roteiro e determinamos quais falas poderiam ser adequadas para eles. Nós três também fizemos um brainstorming de material adicional referenciando seus trabalhos e personas específicos. Filmamos isso de 2019 direto até os últimos dias antes da entrega para a estreia do festival no verão de 2022. À medida que nos aproximamos do final, nosso editor de The Once and Future Smash, Aaron Barrocas, também sugeriu material para as entrevistas que poderiam preencher as lacunas , adicione piadas ou melhore o contexto. Foi muito útil poder olhar para cortes brutos e, em seguida, filmar pedaços adicionais de falantes para resolver problemas e preencher lacunas. 

Tivemos pouco tempo com cada um dos palestrantes, mas todos eles realmente fizeram um trabalho maravilhoso, comprometendo-se com o conceito e celebrando o projeto. Ficamos muito empolgados em compartilhar o filme com muitos deles na estreia em Los Angeles. Estávamos nervosos sobre como eles poderiam reagir, mas muito felizes porque todos pareceram gostar do filme e se sentir bem com a forma como os retratamos. Esse sempre foi nosso objetivo – homenagear essas pessoas, crescemos observando e admirando. 

Há muitas piadas internas e referências de franquias de terror em The Once And Future Smash. Como você juntou tudo isso?

Somos grandes fãs de terror e realmente queríamos que isso fosse uma celebração da história do terror! Quando Michael estava escrevendo, ele tentou encontrar o equilíbrio entre piadas que funcionariam para um público amplo e piadas profundas que recompensariam os espectadores que realmente conhecem o terror. Alguém nos perguntou quantas referências existem nos dois filmes, e definitivamente perdemos a conta, mas são muitas! 

Quando Aaron estava editando, ele também fez um ótimo trabalho controlando o tom e cortando piadas que não funcionavam ou pareciam muito obscuras. Aaron também adicionou algumas piadas visuais – coisas como o tempo de chyron como uma piada. 

Haverá uma End Zone 3? Será que algum dia veremos mais Smash-Mouth?

Temos tantas ideias de filmes que gostaríamos de fazer, então não tendemos a voltar aos projetos, mas há algo especial para nós no universo de End Zone. Já pensamos em fazer o remake de End Zone 1 ou fazer End Zone 3D, mas tudo vai depender do sucesso financeiro dos filmes atuais. Resumindo, se houver mais procura que justifique o orçamento, fazemos mais!

Sendo um falso documentário, qual era o nível de improvisação versus diálogo roteirizado?

Como mencionamos, o concurso de fantasias foi totalmente espontâneo. Caso contrário, há realmente muito pouca improvisação no filme. Dissemos a todos os locutores que eles eram bem-vindos para fazer riffs nas falas ou reformulá-las, então um pouco disso aconteceu aqui e ali. Como alguns exemplos, Jared Rivet criou alguns dos títulos de filmes de vingança do futebol que foram cortados, e James Branscome se divertiu adicionando piadas sobre o Vietnã a quase todas as suas falas.  

Existe um distribuidor/data de lançamento para TOAFS e End Zone 2?

Estamos conversando com distribuidores há quase um ano e recebemos muitas ofertas, mas estamos procurando uma garantia inicial que cubra os pequenos orçamentos dos dois filmes. O mercado é tal agora que a maioria dos distribuidores tem medo de assumir riscos, especialmente para um projeto incomum como este. Portanto, provavelmente trabalharemos com um agregador e faremos um lançamento próprio do filme neste outono. Este foi um caminho de sucesso para nós no passado, e não temos apreensão em adotar essa abordagem. Isso também significa que seremos realmente capazes de controlar o filme e determinar a melhor maneira de compartilhá-lo com o mundo. Ainda não há data para o lançamento.

No que vocês dois estão trabalhando agora?

Sophia será a diretora de fotografia de vários filmes de gênero filmados entre agora e o final do ano que ainda não foram anunciados publicamente, e Michael está escrevendo para os próximos longas-metragens, Manicorn (dir. Jim McDonough) e A Hard Place (dir. . J. Horton). Também trabalhamos na equipe do novo filme de Matt Stuertz, Wake Not the Dead, que vai ser incrível! 

Também estamos sempre fazendo malabarismos com nossos próprios projetos para ver quais recursos surgem para dar vida à próxima coisa. Com os dedos cruzados, podemos dizer que estamos desenvolvendo um mistério de assassinato que esperamos fazer neste inverno com Sophia dirigindo e Michael escrevendo e produzindo.